Afbeelding: Miles Aldridge
DCW: Afgezien van de overstap naar digitaal, hoe is de fotografie veranderd sinds je begon?
MA: Er zijn veel dingen veranderd sinds ik voor het eerst een camera pakte om een professionele fotograaf te worden. Ik fotografeer nog steeds op film, hoewel ik op digitaal zal fotograferen als het een deal-breaker is voor een bepaalde klant. Maar een van de grootste veranderingen is dat ik veel minder werk met conventionele advertenties, en ik denk dat dit is gebeurd door de groei van sociale media.
De klanten die vroeger hun budget besteedden aan grote fotoshoots, zullen dit nu uitgeven aan een mix van dat en sociale media. Ik denk dat de meeste mensen het erover eens zijn dat de investering in reclamefotografie - en ik durf hier te raden - slechts ongeveer 10% is van wat het 20 jaar geleden was. Het is een heel ander landschap.
Toen ik begon, waren tijdschriften erg levendig en opwindend. Vóór het internet hadden tijdschriften een echte wurggreep op de consument, en dat was een van de belangrijkste manieren om uw boodschap over te brengen. Toen het internet eenmaal een vlucht nam en klanten begon te beloven dat het hun doelgroep kon focussen en zelfs feedback kon geven over hoeveel mensen hun advertenties bekeken, enzovoort, werd het voorstel van een tijdschriftadvertentie steeds minder aantrekkelijk. Natuurlijk hebben tijdschriften er alles aan gedaan om adverteerders terug te krijgen, met goedkopere en goedkopere tarieven, denk ik. Nu is het niet langer het belangrijkste onderdeel van iemands advertentiecampagne.
Toen ik begon, was de situatie duidelijk: als je een goede redactiefotograaf was en je had veel editorials voor de juiste tijdschriften - de Vogues, enzovoort - zou je veel reclamecampagnes krijgen om op te nemen. En het geld dat u met advertentiecampagnes verdiende, kon vervolgens ook worden besteed aan het er nog beter uit laten zien van uw editorials, omdat de tijdschriften de fotografen niet echt steunden. Er zou een basisbudget zijn, maar als je iets speciaals wilde doen - zoals ik altijd deed - zou je het zelf moeten betalen.
Dat soort dynamiek was er toen ik begon, en dat bleef zo totdat het internet tot stand kwam. Als u door tijdschriften bladert vanaf het midden van de jaren negentig, ziet u dat advertenties veel agressiever, gewaagder en ongebruikelijker zijn. Ik zou zelfs artistiek zeggen. Nu zien alle reclamebeelden eruit alsof ze door dezelfde fotograaf kunnen zijn gemaakt. Er is nu een soort basisvereiste om alleen de outfit of wat dan ook te fotograferen. Er is geen echte interesse van de reclamecliënt om iets artistieks te hebben, zou ik zeggen.
Denk je dat er een element is van mensen die niet dezelfde risico's willen nemen als vroeger?
Nou, dat kunnen ze niet. Ik denk dat wanneer de industrie vol angst is - de ene recessie na de andere, of de beloften van internet om deze merken veel geld te geven - het behoorlijk hol wordt. De angst die dit wekt bij mensen die in deze projecten zijn geïnvesteerd, doet hen denken dat het misschien niet werkt, dus kunnen ze het maar beter niet verknoeien, en daarom is het niet de moeite waard om iets te riskeren. Ik denk dat wanneer je in een dergelijke situatie bent, het alleen maar heel, heel saai werk gaat creëren. Dus ja, om je vraag te beantwoorden: ik denk dat mensen doodsbang zijn om risicovolle of interessante beelden te maken.
En als je 20 jaar of zo teruggaat, was de markt niet zo wereldwijd als nu, met hetzelfde imago dat een publiek in Saoedi-Arabië, India of Afrika moest aanspreken. Wanneer uw publiek zo groot is, heeft het als effect dat het wat visueel acceptabel is, verwatert. Wat wij, of ik, misschien interessant vinden in een afbeelding, omdat het betrekking heeft op een film of theater waar de culturele verwijzingen heel duidelijk zijn, wordt misschien niet begrepen door iemand in Saoedi-Arabië, bijvoorbeeld, en kan er door beledigd worden. Adverteerders moeten dus een zorgvuldig spel spelen in wat ze laten zien.
"Ik denk dat mensen doodsbang zijn om risicovolle of interessante afbeeldingen te maken."
Mijl Aldridge
Een van de dingen die echt is veranderd sinds ik met fotografie ben begonnen, is dat reclamefotografie echt oninteressant is geworden. Toen ik begon, waren bepaalde modelabels zoals Jil Sander het absolute doel. Jil Sander werd gezien als de Sixtijnse Kapel van de modefotografie, de kapel die elke fotograaf wilde hebben. Ik denk niet dat er een opvallende mode-advertentiecampagne is die elke fotograaf tegenwoordig de moeite waard vindt, hoewel Gucci er eerlijk gezegd nog steeds redelijk goed uitziet.
Je hebt de sterren van gefotografeerd Game of Thrones voor TIME magazine onlangs. Hoe kwam dat tot stand? Dit is heel anders dan waar u bekend om staat. Heb je dat gedaan als reactie op de veranderingen in de branche?
Ik heb met tussenpozen in mijn carrière afbeeldingen in dezelfde soort gemaakt. Er was een afbeelding die ik deed met de naam Like a Painting for Italian Vogue in 2008, en deze was geïnspireerd door een renaissanceschilder genaamd Pisanello. Het Game Of Thrones-project in 2017 was grotendeels geïnspireerd door een Noord-Renaissance-schilder genaamd Lucas Crannach, maar ook enigszins geïnspireerd door Albrecht Dürer, de andere grote Noord-Renaissance-schilder. Ik kan inspiratie halen uit films, boeken en schilderkunst, en ik ben een liefhebber van de kunstgeschiedenis; als het inspirerend is, ben ik best blij om een referentie te nemen van iets dat 500 jaar of ouder is. Ik denk dat het altijd belangrijk is om er een Miles Aldridge-draai aan te geven, dus ik zou nooit zomaar een directe fotokopie van een schilderij willen maken - ik denk niet dat dat interessant is. Ik breng er altijd graag een element van mijn meer bekende werk naar toe, zelfs als het een oude of antieke referentie heeft.
Bij de Game Of Thrones-shoot heb ik heel hard gewerkt met de decorontwerper om stoffen te hebben die meer klaproos waren, met een breder kleurenpalet, om een soort moderne draai te geven aan deze historische foto's. Omdat GOT fantasie en fictie is, gebaseerd op dit parallelle universum, probeerde ik een manier te bedenken om portretten te maken, zowel enkelvoudig als groepsfoto's die refereerden aan waar GOT over ging, maar ook om iets anders toe te voegen. Dus door het te koppelen aan deze Noord-renaissancetraditie van deze zeer eenvoudige portretten, met één symbolisch element zoals een bloem of een stuk fruit. Er is bijvoorbeeld een heel beroemd Leonardo da Vinci-schilderij van een meisje dat een wezel vasthoudt.
"Als het inspirerend is, ben ik best blij om een referentie te nemen van iets dat 500 jaar of ouder is."
Mijl Aldridge
Dat waren het soort regels, zolang ik ze aannam, kon ik de afbeelding dan aanpassen met mijn kenmerkende belichting, kleur en helderheid. Dat deel ik met die artiesten: ze hadden een obsessief oog om details vast te leggen. De manier waarop ik licht en de manier waarop ik mijn camera gebruik, betekent dat ik buitengewoon veel details vastleg, vergelijkbaar met een schilderij uit de Noordelijke Renaissance uit die periode.
Zou je zeggen dat schilderijen meer invloed op je hebben dan het werk van andere fotografen?
Ik ben zeker beïnvloed door andere fotografen zoals Helmut Newton, Guy Bourdain, Irving Penn en Richard Avedon. Ik vind niet alleen het beeld dat ze hebben gemaakt interessant, maar ook de manier waarop hun carrières zich afwisselden tussen werk voor tijdschriften en persoonlijke projecten. Avedon werkte aan tentoonstellingen en boeken, evenals Newton en Bourdain. Avedon deed ook veel politiek werk. Ik vind hun carrières inspirerend, en sommige van hun foto's zijn werkelijk verbazingwekkend, maar ik denk dat als je alleen inspiratie haalt bij andere fotografen, je waarschijnlijk maar een klein beetje succes zult hebben met die aanpak.
In plaats van altijd fotograaf te zijn, heb ik altijd al filmmaker of regisseur willen worden, en ik was altijd erg geïnspireerd door de beelden die ik in de bioscoop kon zien. Toen ik de kans kreeg om fotograaf te worden, was ik, hoewel ik andere fotografen had als een aantal van mijn helden, erg opgewonden dat ik ook foto's kon maken die aanvoelden als stills uit de films waar ik van hield. Of een mashup tussen een kopie van Vogue en een film, zoals een filmpje, maar het model zou iets dragen dat belangrijk was voor het tijdschrift, en het geheel gecombineerd werd iets nieuws. En dat is waarschijnlijk de reden dat er belangstelling is voor mijn werk, omdat het niet alleen verwijst naar andere fotografen in het verleden, of de Renaissance, of zelfs alleen maar naar de bioscoop. Ik heb een ekster-achtige geest, zie iets op de ene plaats en iets anders op een andere, en bouw dan een beeld op dat persoonlijk is, maar ook verwijst naar andere dingen waarin ik geïnteresseerd ben.
Over het maken van films: ik weet dat je in het verleden een aantal muziekvideo's hebt geregisseerd. Is dat iets waarvan je je meer inbeeldt? Of misschien verhuizen naar speelfilms?
"Toen ik de kans kreeg om fotograaf te worden … was ik erg opgewonden dat ik ook foto's kon maken die aanvoelden als stills uit de films waar ik van hield."
Mijl Aldridge
Ik zou nooit nooit zeggen, maar ik heb de popvideo's gemaakt voordat ik zelfs maar een camera pakte, dus dat is nu waarschijnlijk ongeveer 25 jaar geleden. Ik had veel geluk dat ik in die carrière terechtkwam, en dat heb ik een paar jaar gedaan. Ik was niet erg goed en mensen waren erg geduldig met me - ze lieten me in feite rommelen met een filmcamera. Maar ik heb er veel over geleerd. Ik heb veel geleerd over het bouwen van decors en het creëren van deze filmische ruimtes. Ik leerde een beetje over verlichting door te praten met cameramensen waarmee ik werkte. Ik leerde ook over het managen van een grote groep mensen, een grote set op een grote shoot. Bij de meeste van deze video's waren ongeveer 30 mensen bezig met verschillende taken, en op mijn shoots zijn er nu waarschijnlijk een vergelijkbaar aantal mensen. Het is altijd een behoorlijke productie.
Ik denk dat het erg nuttig was om me af te vragen of ik echt filmmaker wilde worden, omdat ik het erg moeilijk vond om een handtekening op de afbeelding te zetten toen ik popvideo's aan het maken was. Toen ik fotograaf was, had ik het gevoel dat ik iets kon doen waar ik het echt had getekend, alsof het mijn afbeelding was. Ik denk dat het maken van films een veel meer samenwerkingsproces is; je moet echt met de cameraman samenwerken als regisseur, en ze zullen een grote invloed hebben op hoe alles eruitziet. Je moet een deel van je eigen esthetiek loslaten. Dus, omdat ik dat eerst deed en het nogal een worsteling vond, toen ik bij fotografie kwam, waar ik in wezen de regisseur, producer en cameraman was, had ik het gevoel dat ik deze autonomie had die ik nog niet eerder had gehad. .
Ik hield ook van de manier waarop de foto's werden bekeken, waarmee ik bedoel in een tijdschrift. Toen ik meer werk begon te doen, werden ze opgenomen in boeken en galerijen, en nu zelfs in musea. En dat vond ik leuk vergeleken met een popvideo, die toen alleen op televisie te zien was. Nu zou je het op YouTube zien, misschien op je iPhone. Voor mij was het eindresultaat iets waar ik in geïnteresseerd was. Ik was erg blij om iets te doen dat een afdruk creëerde, iets dat duurde, iets dat mooier was om naar te kijken dan op een televisiescherm of een iPhone, waarvan ik denk dat het een onaangename manier om dingen te bekijken.
Op dat punt, als er een artiest was die ik leuk vond en die een popvideo wilde, en er was vrijheid om creatief te zijn, zou ik geïnteresseerd zijn. Maar net als al die andere dingen waar we het over hebben, denk ik dat de muziekindustrie het lef heeft gehad er financieel uit te rukken, dus je zou worstelen.
Je spreekt dit jaar op The Photography Show. Wat heb je gepland?
Ik speel nog steeds met wat ik wil bespreken, maar ik heb het 'Colour by Miles Aldridge' genoemd. Ik denk dat kleur een oneindig fascinerend onderwerp is in fotografie. Ik ben dol op het verzamelen van oude fotoboeken en tijdschriften, en om te zien hoe de kleuren zijn geëvolueerd in verschillende filmvoorraden door de geschiedenis van fotografie.
"Ik denk dat als je alleen inspiratie haalt uit andere fotografen, je waarschijnlijk maar een klein beetje succes zult hebben met die aanpak."
Mijl Aldridge
De voor de hand liggende hier om te bespreken is Kodachrome. Gedurende de jaren veertig en vijftig, en zelfs de jaren zestig, was het toonbereik van die film buitengewoon, en het creëerde een huidskleur die sindsdien erg moeilijk te repliceren is. Ik fotografeer op Kodak-film met kleurnegatieve beelden en ik probeer het in de postproductie te verwerken om het dezelfde kwaliteit te geven als waar ik van hield van die vroege foto's.
Ik zal bespreken hoe kleur een effect heeft op de afbeelding en hoe kleuren voor mij werken in fotografie. Als ik bijvoorbeeld een onderwerp belicht, vind ik het leuk om een element van blauw of groen in de schaduw te plaatsen, dus er is een soort koelte in de schaduwen en een beetje meer warmte in de hooglichten. Dus ik zal het hebben over dergelijke subtiele dingen, en ook hoe een kleurblok een ongelooflijk effect kan hebben op het beeld wanneer het botst met een ander, en hoe ik dat in beeld breng door samen te werken met mijn decorontwerpers, make- kunstenaars, stylisten en kappers op de hoogte brengen voorafgaand aan de shoot. Samen werken we samen en creëren we een palet.
Ik schilder vaak aquarellen en maak van tevoren ook schetsen, en daarmee kan ik visualiseren hoe een foto eruit komt te zien. Hoe meer ik dat doe, hoe meer vertrouwen ik heb tijdens de shoot dat de kleuren bij elkaar zullen blijven en een goede esthetiek zullen geven. Ik wil niet zomaar iets doen dat veilig en prettig aanvoelt. Ik zou veel liever nog een paar kleuren toevoegen en een meer gedestabiliseerd palet maken. Dat is wat ik probeer te krijgen, iets dat op het eerste gezicht misschien een beetje te veel is, maar terwijl je ermee werkt, kun je het orkestreren en het zo samenstellen dat sommige van de kleuren waarvan je niet dacht zou kunnen werken om te werken. Ik denk dat je zo moderne afbeeldingen maakt.
Ik ben me altijd bewust van het verleden, of het nu een renaissanceschilderij van vijfhonderd jaar geleden is of een film van David Lynch uit de jaren tachtig. Ik heb een grote catalogus met visuele referenties, maar hiermee kom je maar tot nu toe - ik denk dat je echt moet experimenteren. Je kunt tot op zekere hoogte experimenteren in de fotostudio, maar als je in een studio bent met nog eens 30 mensen, wil je niet dat iedereen op je wacht. Dus ik probeer dat van tevoren veel zelf te doen.
Zou u zeggen dat uw toespraak gunstiger zal zijn voor iemand die portretfoto's maakt en een beter begrip van kleur wil krijgen? Misschien iemand die wil experimenteren en creatieve risico's wil nemen?
Misschien wel. Ik denk natuurlijk dat de lezing mensen zal aanspreken die van mijn werk houden. Ik weet niet zeker hoe ik ze kan beïnvloeden met betrekking tot hun eigen carrière - het is echt aan hen om iets uit mijn werk te halen, op dezelfde manier dat ik stukjes en beetjes van Avedon en Newton enzovoort heb meegenomen. Hopelijk staan daar ook enkele goede verhalen in. Mijn carrière is een lange, interessante ontmoeting geweest met verschillende mensen, in een poging dingen voor elkaar te krijgen. Het hele ding was erg leuk, maar het is niet in een vacuüm gedaan. Het is gedaan met veel andere mensen.
Ik denk dat veel mensen het leger van mensen achter het laten werken van dat imago niet per se waarderen. Ze zien gewoon de naam van de fotograaf en beschouwen het als de hunne.
Mogelijk, ja. Aan het eind van de dag moet de fotograaf het tekenen. Het is een gezamenlijke inspanning en hun werk wordt zeer gewaardeerd, maar het is de fotograaf die het moet ondertekenen en het leeft of sterft van de talenten van de fotograaf.
Welke kit gebruik je meestal?
Ik fotografeer vrijwel uitsluitend op een Rolleiflex 6008 camera. De lenzen die ik meestal gebruik met die camera, zijn een 90 mm-lens, wat mijn go-to-lens is, en er is een 120 mm-lens, die ik ook veel gebruik. Dat zijn de twee die ik voornamelijk gebruik. Ik gebruik ook een 180 mm-lens als ik meer moet inzoomen, en ik ga waarschijnlijk zo breed als een 50 mm.
Ik fotografeer met Broncolor-verlichting en alles is flitsend. Ik hou van de Flooter die ze maken (hierboven), een versie van een Hollywood Frenel.
Ik fotografeer op Kodak Ektar 100 ASA-film. Ik fotografeer niet zo veel digitaal, maar als ik dat doe, heb ik de neiging om op een Leica S te fotograferen met een paar prime-lenzen. Ik vind dat de Leica's een betere filmische weergave hebben dan de andere merken.
Miles Aldridge zal op 20 maart spreken op The Photography Show. Klik hier voor meer informatie en om tickets te boeken
